1917 di Sam Mendes, devastante viaggio negli orrori della guerra

“Lady Bird” di Greta Gerwig nasce dalla sua sceneggiatura originale e dal suo esordio, in solitario, alla regia. Non si tratta di un semplice teen movie, ma di un intenso coming of age come “Il Laureato”, “The Breakfast Club”, “Noi siamo infinito” e “Moonrise Kingdom”. Si focalizza sulla crescita di Christine, dall’adolescenza all’età adulta, puntando alla profondità dei dialoghi e delle tematiche più che alla particolarità tecnica. Data l’origine della regista, c’è chi ha visto nella pellicola un racconto autobiografico, ma Greta Gerwig afferma che niente di ciò che si vede in “Lady Bird” è accaduto nella sua vita. Probabilmente, ha riportato le sensazioni vissute e il suo spirito vivace nella protagonista, interpretata da Saoirse Ronan.  

«Chi parla dell’edonismo in California, non ha mai passato un Natale a Sacramento» – Joan Didion  

Il lungometraggio ha ricevuto numerose candidature, di cui 5 agli Oscar, e ha conquistato diversi premi, tra cui quelli per Miglior film, Miglior regista e sceneggiatura alla Gerwig, mentre Saoirse Ronan porta a casa il suo primo Golden Globe come Miglior attrice protagonista. Rientra nei Migliori dieci film del 2017 del NBR, insieme a “Chiamami col tuo nome”, “Dunkirk” e “Scappa – Get out”. 

Il contrasto tra colori e personalità 

Girato nel formato 1:1,85, “Lady Bird” ha delle ambientazioni piuttosto ampie e dettagliate. Fanno, però, solo da sfondo alle scene che vedono i personaggi in diversi piani di ripresa. Dai primi piani o mezze figure si hanno anche figure intere in campi medi. Le inquadrature variano e arrivano anche al dettaglio attraverso uno stacco netto che mostra, ad esempio, il foglio per le audizioni al corso di recitazione o le lettere d’ammissione all’università. Così, anche la luminosità varia. La luce è tendenzialmente naturale e ben distribuita. Soprattutto in casa di Lady Bird (Saoirse Ronan) l’illuminazione viene tutta dall’esterno lasciando così l’ambiente leggermente in ombra o in contrasto. Questo elemento rispecchia un po’ la figura della protagonista. All’esterno appare luminosa ed esuberante ma, come ogni adolescente, dentro sé ha le sue zone d’ombra che si evincono nel rapporto con la madre Marion (Laurie Metcalf).  

«Tua madre è dura con te.» – Danny 
«Sì e che mi vuole molto bene.» – Lady Bird 

«Tua madre era molto triste perché non c’eri al Ringraziamento.» – Shelly 
«Mia madre mi odia.» – Lady Bird 

Il lavoro del direttore della fotografia caratterizza le scene in modo distintivo. Sam Levy, infatti, regala immagini ricche di colori di natura vivaci, ma in tonalità che presentano un particolare contrasto – proprio come i capelli della protagonista -. In questo modo, gli episodi che si susseguono appaiano come tanti ricordi impressi in foto in formato tradizionale.  

“Lady Bird” di Greta Gerwig tra senso di inadeguatezza e voglia di evadere  

«Vorrei solo piacerti.» – Lady Bird  

“Lady Bird” è un racconto di formazione che tocca numerose tematiche. Il primo amore, la sessualità, la depressione e il rapporto con gli altri. Tra questi il legame con Julie (Beanie Feldstein), la migliore amica. Insieme a lei Lady Bird condivide ogni cosa ed è l’unica persona con cui riesce ad essere sé stessa senza sentirsi inadatta. Si differenzia dal rapporto che la protagonista ha con Jenna (Odeya Rush), la ragazza ricca e carina della scuola, e con l’alternativo e solitario chitarrista, Kyle (Timothée Chalamet). Con loro infatti Lady Bird finge di essere qualcun altro preoccupandosi di non essere accettata. Il timore di essere chi si è veramente si evince anche in Danny (Lucas Hedges), che nasconde la sua omosessualità fidanzandosi con Christine. 

«Non credi che, forse, sono la stessa cosa amore e attenzione?» – suor Sarah Joan  

Elemento costante del film è tuttavia la relazione altalenante tra Lady Bird e sua madre – non a caso, inizialmente, il titolo del film era “Mothers and Daughters” -. Da un lato, c’è una donna, piuttosto pesante e pressante, che vorrebbe aiutare sua figlia a raggiungere i propri obiettivi senza averne i mezzi. Dall’altro, c’è un’adolescente che, soprattutto a causa del giudizio e delle critiche del genitore, vive in un senso di inadeguatezza e nella volontà di essere accettati. Inoltre, la voglia di cambiamento e il bisogno di trovare la propria strada, lontano dalla famiglia, incrementano l’attrito tra le due. Soltanto dopo una notte passata nella tanto agognata New York, Lady Bird ritrova sé stessa nella nostalgia di casa e nel ricordo dell’emozione provata quando ha guidato per le strade di Sacramento. Christine sta finalmente maturando e riesce a riconciliarsi con le sue origini attraverso il messaggio finale.  

“Blow-up” di Michelangelo Antonioni rappresenta una tappa importante nella filmografia del regista. Non solo è il primo di una trilogia di film girati all’estero, ma costituisce anche una vera e propria svolta del suo stile registico. Noto principalmente per i lunghi piani sequenza, il regista cambia decisamente direzione con questa pellicola caratterizzata da un ritmo sostenuto e un montaggio vivace.

L’idea per la realizzazione di “Blow-up” nasce da un progetto del produttore Carlo Ponti che intendeva girare un film semi-documentaristico basato sulla vita del fotografo David Bailey, in quale però rifiutò di prendere concretamente parte al progetto. A quel punto il regista presentò la sua idea di un film che avesse come protagonista un fotografo con la sceneggiatura parzialmente tratta dal racconto “Le bave del diavolo” di Julio Cortàzar. Dall’unione dei due progetti scaturì la sceneggiatura definitiva di “Blow-up” di Michelangelo Antonioni. La caratterizzazione del protagonista – interpretato da David Hemmings – è ispirata sia al fotografo John Cowan, da cui eredita lo stile della fotografia dinamica, che al già citato David Bailey.

 «La scena di David Hemmings e Veruschka in “Blow-up” era in puro stile Cowan. Antonioni deve averlo visto lavorare –non ho mai visto nessun altro fare delle foto in quel modo. Lo shooting sul pavimento, completamente fluido, non ostacolato dal treppiede era tipico di Cowan.» – Jill Kennington

Il sottile confine fra realtà e finzione in Blow-up

«Non è un film sulla relazione fra gli uomini, ma sulla relazione fra l’uomo e la realtà» – Michelangelo Antonioni

In perfetto accordo con i canoni del post-modernismo, in “Blow-up” si nota un superamento totale delle regole della narrativa classica. Il racconto è frammentato e discontinuo e le scene si susseguono ad un ritmo incalzante, accrescendo l’effetto di straniamento. Man mano che il focus della narrazione si sposta sulle foto scattate – il protagonista infatti sviluppando un rullino fotografico scoprirà di aver immortalato l’omicidio di un uomo, sul quale proverà ad indagare -, si ha l’impressione che il confine fra realtà e finzione si faccia sempre più sfumato. Come il protagonista, lo spettatore è portato ad essere suggestionato da ciò che compare nelle foto fino ad arrivare a credere che esse rappresentino la realtà, anche se i numerosi ingrandimenti hanno reso le immagini pressoché indecifrabili.

Il finale insoluto accentua l’impressione di aver assistito ad un sogno e che tutta la vicenda centrale non sia altro che frutto dell’immaginazione del fotografo. Negli ultimi minuti il protagonista, ben lontano dall’aver risolto il mistero dietro alle fotografie, si lascia distrarre da un gruppo di mimi che gioca ad un’immaginaria partita di tennis. A questo punto l’inquadratura si allarga sempre di più fino a rendere i personaggi dei puntini indistinguibili dallo sfondo, tanto che si potrebbe addirittura arrivare a mettere in discussione la loro esistenza.

L’insoddisfazione dell’essere umano

Sebbene ad un primo sguardo sembra che in “Blow-up” non ci sia nessun messaggio nascosto, dopo un’attenta analisi è facile intuire l’intento critico della pellicola. Durante il film i personaggi sono alla continua ricerca di qualcosa, salvo poi lasciarla da parte subito dopo averla ottenuta. In un mondo travolto dalla modernità e dal progresso, i personaggi hanno difficoltà a decidere cosa abbia davvero valore. Lo stesso protagonista vaga per le strade di Londra perennemente insoddisfatto e annoiato: in una scena ambientata in un negozio di antiquariato, lo si vede vivamente entusiasta per l’acquisto di un’elica che successivamente lascerà al centro del suo studio con noncuranza. Perfino l’avvenimento che dovrebbe suscitare in lui maggiore interesse – ovvero l’omicidio al parco fotografato casualmente – perde ogni attrattiva sul finire del film.

Con questa serie di scelte narrative “Blow-up” di Michelangelo Antonioni intende portare lo spettatore ad una riflessione sui pericoli della modernità. Come i personaggi anche la società moderna corre il rischio di perdere di vista ciò che è veramente importante, in favore di un continuo inseguimento di obiettivi futili ed insoddisfacenti. Solo attraverso un’attenta osservazione della realtà è possibile individuare ciò che conta realmente e, nella visione nichilistica del regista, anche questo viene in realtà messo a rischio.

“Blow-up” di Michelangelo Antonioni e l’inafferabilità del vero

In uno sguardo onnicomprensivo del film, si nota che la ricerca della realtà, l’acuta osservazione, la messa a fuoco dell’oggetto in analisi contiene in sé il suo fallimento: si finisce per avvicinarsi così tanto da non riuscirne più a vedere i confini, da perdere la verità stessa che si cela sotto le apparenze. Una critica filosofica dell’età moderna che si apre anche al mondo della moda, fatta di vacuità e rappresentante “la grande finzione” attorno la quale ruota l’intera esistenza ritratta in “Blow-up”.

Una finzione da cui il protagonista sembra discostarsi nel momento in cui cerca di scoprire la verità sul presunto (?) omicidio, ma di cui torna vittima quando sul finale del film, osservando due mimi giocare a tennis con racchette e palline immaginarie, torna all’interno di questa visione distorta della realtà. Arriva a sentire il rumore della pallina rimbalzare sulle racchette, fino a vederla in un fuori campo per prenderla e rilanciarla indietro, con un sorriso tra l’ignaro e l’amaro che chiude il film, lasciando lo spettatore ai suoi pensieri.