Come le dittature possono essere attuali e trascinarci in un impetuoso vortice, ce lo spiega “L’Onda” diretto da Dennis Gansel e uscito in sala ben 10 anni fa.
Reiner Wenger, interpretato da un ottimo Jürgen Vogel, è un professore dalla mentalità anarchica, che insegna in un liceo tedesco come tanti altri. Durante la settimana a tema dedicata allo studio extra-scolastico, è obbligato a tenere un corso sull’autocrazia, ideologia diametralmente opposta alla sua. Ci prova, Wenger, a cambiare cattedra, ma la preside e un collega sono irremovibili. Gli tocca parlare di qualcosa che non sente suo. Ma come fare?
Dennis Gansel scava nel fascino del pensiero autocratico tramite Reiner Wenger
Dopo aver riflettuto un po’, decide di immergersi in una lezione su questa ideologia analizzandone i pilastri principali e i comportamenti. Gli studenti si mostrano un po’ scettici, subito gli vengono alla mente le grandi autocrazie del passato, quali nazismo e fascismo, ma si tratta di una tematica anacronistica e lontano dal loro presente.
Ma il professore ha un colpo di genio, l’idea di fare un esperimento sull’autocrazia. Chiede a tutti se vogliono provare a ricreare le condizioni che hanno permesso l’avvento delle autocrazie. Stupore, poi si accetta, si comincia. Prima di tutto occorre nominare un capo, condizione essenziale, e sarà Reiner per inevitabile acclamazione. Inizialmente tutti dipenderanno dal suo ingegno e si comincerà con iniziative volte ad appianare le singole individualità ed a creare spirito di gruppo. Dalla disposizione dei banchi alla postura da tenere fino alla realizzazione di un preciso protocollo da seguire per poter intervenire nei dibattiti o per prendere le decisioni, tutto viene stabilito con regole da rispettare.
Sembra un gioco, ma Reiner Wenger è sempre serio e presto lo saranno tutti. Non occorre più guidare, basta indirizzare con delle domande e i ragazzi sono propositivi ed entusiasti. Si sceglie un nome per il gruppo e verrà votato “L’Onda”, con una modalità di apparente democrazia. Si decide che la camicia bianca e i jeans saranno la loro divisa, viene ideato un logo, persino un saluto col braccio destro. Entusiasmante per quasi tutti, la voce corre fuori dall’aula, la preside è entusiasta, altri ragazzi chiedono di unirsi alla classe. Un crescendo incontenibile, tanto che uscirà dall’ambito scolastico. L’Onda diventerà un gruppo anche fuori dalla scuola molto coeso e solidale, via via sempre più settario ed estremista: o sei con loro o sei contro. Reiner Wenger perderà il controllo della situazione, quando se ne renderà conto sarà troppo tardi, diventerà parte de L’Onda.
La Terza Onda, la storia vera che si cela sotto il nome di The Third Wave
Questo film del 2008 ha persino del vero. I fatti a cui si è ispirato il regista Dennis Gansel sono del 1967, noti come “La Terza Onda”. “The Third Wave” è stato un esperimento per dimostrare l‘attrattiva del fascismo e dell’autocrazia. Tenuto dal professore di storia Ron Jones agli studenti del secondo anno della Cubberley High School – Palo Alto, California – , la sua classe di Storia Contemporanea è stata quindi parte di un realistico studio della Germania nazista nella prima settimana di aprile del 1967.
Siamo di fronte ad un film pieno di significati. Avvincente e sorprendente, è capace di muovere l’adrenalina nel sangue. I colpi di scena sono parecchi, i momenti inaspettati anche, e questo prodotto di qualità ottima sotto ogni aspetto è talmente ben girato che può essere apprezzato anche come semplice film che parla dei giovani. Altra nota favorevole è la colonna sonora, curata dal dj/arrangiatore Heiko Maile, che mette insieme i generi ascoltati da questi ragazzi. Il finale pensato da Dennis Gansel è di una durezza senza compromessi, che va ben oltre i fatti reali ma senza stonare e lasciando un segno indelebile nella memoria. Come sia realmente finita a Palo Alto non si sa, ma sembra che già al quarto giorno l’esperimento sull’autocrazia fu interrotto.
Author
Beatrice Andolfatto
Studentessa amante delle lingue e della loro diversità. Chitarrista a tempo perso, aspirante reporter, da sempre interessata alle novità, ma anche ai grandi classici musicali e cinematografici. «Mi piace la gente che sa ascoltare il vento sulla propria pelle, sentire gli odori delle cose, catturarne l'anima.» - Alda Merini
“Il Laureato” di Mike Nichols – insieme a film come “Bonnie e Clyde”, “La notte dei morti viventi”, “Easy Rider” e “Il mucchio selvaggio” – rientra nel cinema della New Hollywood.
A causa del successo della “Commedia all’italiana”, degli “Spaghetti Western” e della “Nouvelle Vague“, il cinema americano stava subendo delle perdite economiche e di interesse da parte del pubblico. Pertanto, vennero assunti dei giovani registi che, con le loro produzioni indipendenti, portarono al cinema innovazioni tecniche e tematiche. In questo modo, posero le basi per l’avvento del Hollywood Renaissance.In effetti, con “Il Laureato” si ha un maggiore realismo, spesso decadente, poiché vengono presi in considerazione temi considerati tabù: la sessualità, le relazioni amorose, gli scandali, l’alienazione, l’incertezza e le ansie dei giovani. Tutto è accompagnato dal contesto socio-culturale che non viene mascherato, ma mostrato nella sua realtà e persino criticato.
La pellicola di Mike Nichols nasce dalla sceneggiatura non originale dell’omonimo romanzo di Charles Webb. Oltre a un Oscar, un Golden Globe, un BAFTA e un New York Film Critics Circle Awards per la migliore regia, la pellicola del 1967 ha conquistato un BAFTA per il miglior film e un Golden Globe per il miglior film commedia o musicale e per gli attori Anne Bancroft, Dustin Hoffman e Katharine Ross. Nel 1998, è stato inserito al settimo posto della lista dei migliori cento film statunitensi dall’AFI, superando film come “La vita è meravigliosa”, “Psyco”, “La finestra sul cortile”, “The Birth of a Nation”, “Un tram che si chiama Desiderio” e “Gioventù bruciata”. Inoltre, nel 2007 l’autore del romanzo ha pubblicato il suo seguito “Home School” che in italiano prende il nome “Bentornata, Mrs. Robinson”.
“Il Laureato” di Mike Nichols. Inquadrature e incertezza del futuro
“Il Laureato” di Mike Nichols. è girato nel formato anamorfico, con un aspect ratio di 1:2,35. L’inizio si apre su “The Sound of Silence” e Benjamin (Dustin Hoffman) che si lascia trasportare dal marciapiede mobile. In mezzo primo piano laterale, mostra un’espressione distratta, quasi vuota. Guarda dritto di fronte a sé ma è come se non vedesse niente. Attraverso la dissolvenza, dall’aeroporto si arriva ad un primo piano di Ben, davanti ad un acquario, che esprime preoccupazione per il suo avvenire. L’angoscia e il senso di oppressione simboleggiati dall’acquario, vengono ripresi nella scena in cui Ben è costretto ad indossare una muta da sub. Il protagonista si sente schiacciato dalle imposizioni dei suoi genitori e delle convenzioni sociali, tanto che si sente il suo respiro affaticato.
L’inquadratura ha diverse profondità. La variazione dal dettaglio al campo lunghissimo tende a sottolineare la rivoluzione tecnica de “Il Laureato” rispetto al classico cinema americano. Difatti, elementi quali il campo lunghissimo, tipico dei film western, in questo caso viene utilizzato per mostrare una realtà urbana piuttosto che rurale.
Il bianco nella fotografia di Robert Surtees
Il direttore della fotografia Robert Surtees regala alla pellicola delle immagini con diversi colori, tutti in tonalità naturali. Nessuno prevale sull’altro se non la somma di tutti i colori: il bianco. Probabilmente questa scelta indica la somma di tutti i pensieri, le ansie e le preoccupazioni che un neolaureato può provare per la costruzione del proprio futuro. Non è un caso che all’arrivo in aeroporto, nei titoli di testa, Ben sia circondato da uno sfondo bianco, puro e chiaro, in contrasto con il suo vestito scuro. Invece, successivamente, il suo volto è circondato da uno sfondo nero, segno del suo comportamento scorretto. Si tratta alternativamente della spalliera del letto, di un cuscino e di una poltrona. In questo caso, infatti, il volto di Ben fa da mezzo di transizione tra le scene ambientate in albergo e in casa.
«Signora Robinson, sta cercando di sedurmi, vero?» – Ben
Alcune scene mostrano degli intensi contrasti. Si pensi alla scena che vede la Sig.ra Robinson (Anne Bancroft) e Ben discutere nella camera d’albergo. Mentre lei mette la calza alla sua gamba in primo piano – quella sul poster è in realtà di Linda Gray -, Ben è sullo sfondo in un piano americano. Quando l’inquadratura cambia e la scena è presentata dal lato opposto, si ha Ben in primo piano con il viso oscurato. È in forte contrasto rispetto alla stanza illuminata. Questa contrapposizione di luci sottolinea la differenza tra l’immagine del protagonista e quella della Sig.ra Robinson.
“The Sound of Silence” di Simon & Garfunkel. Perfetta colonna sonora
Ben è un giovane uomo che dovrebbe affacciarsi alla vita con gioia e determinazione. Nonostante la posizione sociale dei genitori benestanti che lo mantengono, esprime una costante insoddisfazione. Circondato da un senso di incertezza e paura per il suo futuro, non agisce per migliorare la sua condizione, ma vive in uno stato di apatia e di alienazione – sentimento espresso in particolar modo da Paul Simon con “The Sound of Silence” -. Dal rapporto con i genitori, è chiaro che non viene compreso il suo dilemma interiore, non comunica con loro, ma trova rifugio in qualcos’altro.
Il cambiamento, infatti, arriva proprio dal momento in cui inizia una relazione con la Sig.ra Robinson. Ben si dimostra più disinvolto, è spinto da una maggiore forza di volontà, tanto che inizia ad imporre le sue decisioni. L’intensità del sentimento che prova per Elaine lo porta ad andare contro la moralità e la promessa fatta alla madre di lei. Diventa quasi fastidioso quando cerca di convincere Elaine a stare con lui, ma non si arrende. Intraprende un viaggio in auto per raggiungere la giovane donna accompagnato dalle note di “Mrs. Robinson” – riadattata da Simon & Garfunkel proprio per il film – che scemano con una certa cadenza quando l’auto si sta fermando per la mancanza di carburante. Ormai Ben è colmo di determinazione. Riesce ad entra in chiesa ma diversamente dal classico lieto fine, Elaine si è già sposata.
L’insicurezza della gioventù sembra contrapporsi sin da subito all’atteggiamento sicuro e deciso della Sig.ra Robinson. In realtà, la donna porta alla luce la falsità e l’ambiguità che c’era dietro la società dell’epoca. A prima vista sembra essere una donna felice, ma ben presto dimostra di non esserlo affatto. Un accenno di tristezza le copre il viso quando racconta a Ben di aver lasciato gli studi perché era rimasta incinta. Mentre la prepotenza si fa strada in lei quando impone a Ben di non uscire con sua figlia e quando cerca di trattenere Elaine dal fuggire con lui.
“Il Laureato” di Mike Nichols. Il signfiicato del finale
La tenacia e quasi la disperazione del laureato si evince nel momento in cui urla il nome di Elaine. La giovane deve sapere che lui è arrivato fin lì. L’inquadratura mostra un primo piano di lei che lo guarda. Nota le reazioni intorno a sé, ma non si sentono parole dalle bocche degli altri personaggi. Elaine cede ed urla a sua volta il nome di Ben. I due fuggono insieme, uniti da un profondo senso di gioia e ribellione. Si stanno liberando dall’ipocrisia in cui vivono le loro famiglie e corrono verso un autobus di passaggio, simbolo di cambiamento ed evoluzione.
Elaine e Ben si siedono e, dopo essersi scambiati qualche sorriso, tornano seri. La malinconia torna e viene messa in rilievo dalla colonna sonora. Sia dalle parole «Hello darkness, myold friend…» – che aprono e chiudono la pellicola – che dalle note è possibile percepire la tristezza e l’angoscia che ancora una volta si presentano nella vita dei giovani. Il futuro rimane comunque incerto. La felicità della disobbedienza è presto sostituita dalla paura e dall’afflizione. Le espressioni di Ben ed Elaine tornano ad essere preoccupate. Simbolicamente, il fatto che non fuggano in auto e non guidino loro il mezzo di trasporto potrebbe essere inteso come difficoltà nel prendere nuove decisioni. Dove si va è l’autista che lo decide. Perciò sembrano porsi subito una domanda: e adesso?
“La paranza dei bambini” di Claudio Giovannesi. Napoli, Rione Sanità, oggi. Nicola – interpretato dalla giovanissima promessa Francesco di Napoli – ha 15 anni, conduce una vita fatta di uscite con amici, di prime esperienze, prime sigarette, primi amori. Sembra essere tutto normale, ma in realtà non è così. Il nostro protagonista, difatti, inizia con i suoi fidati Tyson, Biscottino, Lollipop, O’Russ e Briatò, ad avvicinarsi alla criminalità, parte integrante – quando non fondante – del sistema sociale. Ma Nicola ed i suoi compagni non compiono la scelta di essere criminali o meno: loro vogliono essere criminali in modo diverso.
La genesi del film e il nuovo successo di Claudio Giovannesi
Il libro da cui è stato tratto questo racconto è “La paranza dei bambini” di Roberto Saviano, che diede alle stampe il suo terzo romanzo, ma primissimo interamente di finzione, nel 2016. Di nuovo si parla di camorra, ma della camorra “giovane”, nuova ma ugualmente organizzata.
A tre anni dall’uscita del bestseller, edito da Feltrinelli, “La paranza dei bambini” diventa un film così prestigioso da essere candidato alla 69esima Berlinale comeunica pellicola italiana all’Orso d’Oro. Roberto Saviano ha mantenuto il suo importante ruolo curando la sceneggiatura con Maurizio Braucci e con lo stesso Claudio Giovannesi, che già diresse due episodi di “Gomorra – La serie”. Il regista romano, con il suo tocco personale, è riuscito a dar vita a quello che oggi chiameremmo un teen gangster movie, un po’ surreale, ma pieno di energia tipica dei “guaglioni”.
“La paranza dei bambini” e la visione della città partenopea
Napoli, ancora una volta, preserva tutta la sua identità popolare. Ma non in senso discriminatorio: vivere ai limiti fra criminalità e innocenza rende il capoluogo campano un luogo perfetto per le tragiche contrapposizioni di tutta la vicenda. I protagonisti, con lo sguardo fiero, intenso, in realtà sono solo dei bambini che si atteggiano da adulti. Adulti che possono addirittura sembrare degli eroi, dei condannati, adulti che giocano a fare la guerra. Diventano ragazzi educati fin troppo presto alla morte con i capi di camorra come unico punto di riferimento; “guaglioni” che restano con gli occhi pieni di stupore davanti a una pistola o a un AK, lo stesso che può garantir loro potere, soldi, donne – o meglio, coetanee -, in un contesto di emarginazione, di miseria, di false speranze.
La maestria di Claudio Giovannesi consiste nel tralasciare la dimensione sociale: Nicola e i suoi amici sono gli unici protagonisti della storia. Protagonisti che possiedono scariche di adrenalina come tutti gli adolescenti, che cercano il successo in un mondo destinato a farli vittime. Il messaggio però non si limita a “dindi”, fama e rispetto: Nicola, nel suo piccolo che diventerà presumibilmente grande, vuole in verità cambiare la realtà fatta di racket, pizzo ed estorsioni, in cui la stessa madre, proprietaria di una lavanderia, è coinvolta. Vuole, a modo suo, fare giustizia. Vuole guadagnarsi l’amore e la venerazione della gente, passo dopo passo. Si comincia ad andare “a faticà”, a spacciare in piazza dell’Università, per poi impugnare le armi inneggiando a una forma sbagliata di equità.
L’adolescenza avanza verso il mondo degli adulti
Claudio Giovannesi, tra rappresentazioni naturalistiche e movimenti di macchina studiatissimi, parla del disincanto del nostro Nicola, quello che possiamo definire il povero illuso della situazione, il sognatore che desidera solo ribaltare il suo punto di vista sul quartiere e cambiare le regole a modo suo. Protagonisti restano gli sguardi: dopo aver osservato, è Nicola che vuole rovesciare tutto, è Nicola che vuole essere l’oggetto delle occhiate fugaci di coloro che aveva ammirato fino a un minuto prima. Dopo aver “faticato” e quindi dopo aver guadagnato il suo primo gruzzoletto, Nicola si mette all’opera per conquistare Letizia, una “guagliona” con grandissimi occhi da cerbiatta e lunghi capelli scuri. Ci prova, Nicola, portandola all’opera al San Carlo.
L’emozione che il nostro protagonista prova, tra quel palchetto di velluto rosso che copre la qualunque e gli sguardi di candido e totalizzante stupore, è la stessa che “O’ Maraja” sente quando prende una rivoltella tra le mani la prima volta… La stessa di quando finalmente riesce a pagarsi un tavolo in discoteca, la stessa di quando si sente minacciato dagli sguardi dei boss degli altri rioni, la stessa di quando, dopo poco tempo, si sente acclamato dagli abitanti del suo quartiere, che lo ringraziano mentre lui li saluta dall’alto del balcone di casa. Nicola è un adolescente: ovvio che crede di poter realizzare i suoi desideri. È lo stesso ragazzo che, tra una rapina e uno spinello, vuole assolutamente mangiare, senza condividerla col fratellino, l’ultima crostatina per colazione.
