L’Onda di Dennis Gansel, l’autocrazia nata da un esperimento

By Beatrice Andolfatto
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L'Onda di Dennis Gansel

Come le dittature possono essere attuali e trascinarci in un impetuoso vortice, ce lo spiega “L’Onda” diretto da Dennis Gansel e uscito in sala ben 10 anni fa.

Reiner Wenger, interpretato da un ottimo Jürgen Vogel, è un professore dalla mentalità anarchica, che insegna in un liceo tedesco come tanti altri. Durante la settimana a tema dedicata allo studio extra-scolastico, è obbligato a tenere un corso sull’autocrazia, ideologia diametralmente opposta alla sua. Ci prova, Wenger, a cambiare cattedra, ma la preside e un collega sono irremovibili. Gli tocca parlare di qualcosa che non sente suo. Ma come fare?

Dennis Gansel scava nel fascino del pensiero autocratico tramite Reiner Wenger

Dopo aver riflettuto un po’, decide di immergersi in una lezione su questa ideologia analizzandone i pilastri principali e i comportamenti. Gli studenti si mostrano un po’ scettici, subito gli vengono alla mente le grandi autocrazie del passato, quali nazismo e fascismo, ma si tratta di una tematica anacronistica e lontano dal loro presente.

Ma il professore ha un colpo di genio, l’idea di fare un esperimento sull’autocrazia. Chiede a tutti se vogliono provare a ricreare le condizioni che hanno permesso l’avvento delle autocrazie. Stupore, poi si accetta, si comincia. Prima di tutto occorre nominare un capo, condizione essenziale, e sarà Reiner per inevitabile acclamazione. Inizialmente tutti dipenderanno dal suo ingegno e si comincerà con iniziative volte ad appianare le singole individualità ed a creare spirito di gruppo. Dalla disposizione dei banchi alla postura da tenere fino alla realizzazione di un preciso protocollo da seguire per poter intervenire nei dibattiti o per prendere le decisioni, tutto viene stabilito con regole da rispettare.

Sembra un gioco, ma Reiner Wenger è sempre serio e presto lo saranno tutti. Non occorre più guidare, basta indirizzare con delle domande e i ragazzi sono propositivi ed entusiasti. Si sceglie un nome per il gruppo e verrà votato “L’Onda”, con una modalità di apparente democrazia. Si decide che la camicia bianca e i jeans saranno la loro divisa, viene ideato un logo, persino un saluto col braccio destro. Entusiasmante per quasi tutti, la voce corre fuori dall’aula, la preside è entusiasta, altri ragazzi chiedono di unirsi alla classe. Un crescendo incontenibile, tanto che uscirà dall’ambito scolastico. L’Onda diventerà un gruppo anche fuori dalla scuola molto coeso e solidale, via via sempre più settario ed estremista: o sei con loro o sei contro. Reiner Wenger perderà il controllo della situazione, quando se ne renderà conto sarà troppo tardi, diventerà parte de L’Onda.

La Terza Onda, la storia vera che si cela sotto il nome di The Third Wave

Questo film del 2008 ha persino del vero. I fatti a cui si è ispirato il regista Dennis Gansel sono del 1967, noti come “La Terza Onda”. “The Third Wave” è stato un esperimento per dimostrare l‘attrattiva del fascismo e dell’autocrazia. Tenuto dal professore di storia Ron Jones agli studenti del secondo anno della Cubberley High School – Palo Alto, California – , la sua classe di Storia Contemporanea è stata quindi parte di un realistico studio della Germania nazista nella prima settimana di aprile del 1967.

Siamo di fronte ad un film pieno di significati. Avvincente e sorprendente, è capace di muovere l’adrenalina nel sangue. I colpi di scena sono parecchi, i momenti inaspettati anche, e questo prodotto di qualità ottima sotto ogni aspetto è talmente ben girato che può essere apprezzato anche come semplice film che parla dei giovani. Altra nota favorevole è la colonna sonora, curata dal dj/arrangiatore Heiko Maile, che mette insieme i generi ascoltati da questi ragazzi. Il finale pensato da Dennis Gansel è di una durezza senza compromessi, che va ben oltre i fatti reali ma senza stonare e lasciando un segno indelebile nella memoria. Come sia realmente finita a Palo Alto non si sa, ma sembra che già al quarto giorno l’esperimento sull’autocrazia fu interrotto.

Author

Beatrice Andolfatto

Studentessa amante delle lingue e della loro diversità. Chitarrista a tempo perso, aspirante reporter, da sempre interessata alle novità, ma anche ai grandi classici musicali e cinematografici.
«Mi piace la gente che sa ascoltare il vento sulla propria pelle, sentire gli odori delle cose, catturarne l'anima.» - Alda Merini

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“Midsommar” di Ari Aster. Un folk horror alla luce del sole

By Fatima Fasano
"Midsommar" di Ari Aster

“Midsommar” di Ari Aster è il secondo lungometraggio del regista e sceneggiatore americano. A differenza di “Hereditary”, però, non presenta elementi sovrannaturali – tipici degli horror movie – ma dà una nuova veste al folclore rendendolo inquietante e grottesco. Aster tende a stravolgere le regole generali dell’horror, di cui mantiene le paure e le sensazioni, creando dei forti contrasti. L’ambientazione, la fotografia e i disegni presenti, danno l’idea di essere in una favola, ma gli eventi dimostrano tutt’altro. Si ha quindi una pellicola folk horror che mostra come, sotto l’illuminazione costante del sole di mezzanotte e in un luogo idilliaco, si possano vivere degli incubi.  

La particolarità è l’incipit classico, al buio, di notte, e la successiva presenza costante della luce. Si apre su un paesaggio cupo che riporta subito all’ansia e alla preoccupazione di Dani, di cui si sente il peso attraverso le sue grida angosciose. Ma l’omicidio-suicidio della sorella è una delle pochissime scene che si svolgono nell’oscurità. Non è un caso che durante il viaggio, la strada venga mostrata sottosopra per poi tornare diritta soltanto all’entrata del villaggio. È l’ingresso in una dimensione differente, dove la luminosità e i colori di Hälsingland vanno in contrasto con le usanze ambigue degli abitanti. Si tratta di un espediente semplice ma efficace che riesce a dare soggezione e turbamento. 

«Dove stiamo andando?» – Dani 
«Nel luogo per cui siamo venuti.» – Pelle 

“Midsommar” di Ari Aster. Le misteriose Rune attorno le quali ruotano i significati

Girato nel formato 1:2,00, “Midsommar” di Ari Aster presenta un’eterogeneità di inquadrature. Dai primi piani che intendono cogliere la psicologia del personaggio inquadrato, si arriva fino a dei campi totali che mostrano un paesaggio ampio e bucolico. La camera, in alcuni casi, segue i movimenti degli attori. In altri, rimane fissa facendo sì che i personaggi possano entrare e uscire dalla scena. Quando si ha un dialogo tra due interlocutori, non è detto che si abbia un piano ravvicinato. È importante la totalità del paesaggio e tutto ciò che avviene. In una sequenza che vede Dani (Florence Pugh) e Christian (Jack Reynor) in un mezzo primo piano, infatti, rimane chiaro ed evidente anche lo sfondo dietro. I personaggi non danno mai le spalle allo spettatore. Ciò avviene grazie all’utilizzo degli specchi che mostrano il loro riflesso sempre di faccia.

Le immagini manifestano una ricorrente simmetria, accompagnata dalla presenza di figure geometriche. I tetti delle abitazioni sembrano dei trapezi, mentre il tempio una piramide che potrebbe essere la runa Kenaz. È da tenere presente come le rune possano cambiare il significato originale se poste in un altro senso. Così il tempio sta ad indicare la perdita e la fine di un amore, mentre la geometria formata dai tavoli – prima della cerimonia del senicidio – corrisponde ad Othila o Oþalan, che esprime la fine del viaggio e l’entrata al Regno degli Dei. Proprio quello che stanno per fare i due anziani, arrivati al ciclo invernale della vita. Inoltre, Dani ha delle rune al rovescio sul suo vestito bianco. La prima è Raido, ossia “viaggio spiacevole” e “turbamenti”. La seconda è Dagaz, sinonimo di persona immobile nella sua posizione e di frustrazioni. Dritta, però, quest’ultima runa indica il risveglio e una farfalla pronta a trasformarsi e liberarsi come fa Dani. 

L’elaborazione del lutto

Come “Hereditary”, uno dei temi principali di “Midsommar” è l’elaborazione e la reazione al lutto. La protagonista cerca un conforto nel suo ragazzo ma, improntato su un atteggiamento egoistico e incapace, Christian non riesce mai a prendere piena parte al suo ruolo di fidanzato. Si sa, la coppia è in crisi. Nonostante ciò, nessuno riesce a lasciare andare l’altro. Proprio per questo, c’è chi ha visto nel film una metafora della fine di una relazione, dove Dani Ardor sta per Ari Aster. 

«Riuscite a sentire l’energia che proviene dalla terra?» – Pelle 

In effetti, la giovane ritrova gradualmente nella comunità tutto ciò che non ha più. La condivisione dei sentimenti attraverso un’empatia estrema – si pensi alla scena in cui le ragazze riproducono i suoi suoni sofferenti – da un senso di appartenenza. 

“Midsommar” di Ari Aster. Alla scoperta dei riferimenti nascosti

Il lungometraggio presenta diverse figure nascoste. Una di esse, è la composizione degli alberi che durante la processione forma il volto di Terri sullo sfondo. Ci sono anche dei riferimenti alle tradizioni locali. Oltre alla festa di mezza estate, alla leggenda svedese dell’Hårgasägnen e alle torture vichinghe, il film è ispirato ad alcune opere pittoriche. In particolare, quelle dell’illustratore svedese John Bauer. In una sequenza si vede l’opera “Stackars lilla basse!”, che rappresenta una ragazzina vestita di bianco con una corona sul capo, mentre dà un bacio sul muso del “povero piccolo orso”. Sin dai primi fotogrammi, quest’immagine rivela ciò che accadrà (allerta spoiler: Dani sarà la Regina di Maggio e Christian, in senso lato, diventerà un orso).

Come l’opera appena citata, così i disegni dell’artista Ragnar Persson rivelano il destino verso cui stanno andando incontro i personaggi. Nella sequenza in cui Pelle (Vilhelm Blomgren) e Dani sono seduti sul letto, si vedono alle loro spalle due corone accompagnate da rune. Dietro al giovane svedese, c’è la runa Perþo mentre dietro di lei, c’è la runa Othila. La prima ha un significato ancora incerto ma potrebbe voler dire “fato” o “profezia”. La seconda può significare “illuminazione” oppure “nuova vita spirituale in arrivo” (Spoiler! Pelle è la mano del destino che ha portato Dani ad una nuova vita, mentre la corona di lei prevede il suo divenire la Regina di Maggio). L’illuminazione si ha soltanto nel finale, quando finalmente sorride. Per cui, la sua espressione non è più in contrasto con il suo abito di fiori colorati.  

Dal buio alla luce. La trama spoilerata in un dipinto a inizio film

“Midsommar” di Ari Aster è la storia di uno sviluppo, di un cambiamento dall’oscurità alla luminosità. Nell’appartamento di Dani si vede alla parete un disegno con delle lune, simbolo del buio interiore. La protagonista riesce a liberarsi pian piano di queste negatività soltanto con la comunità di Hårga, il cui ingresso è incorniciato proprio da un sole. Ma all’inizio del film compare anche un dipinto dalla forte carica simbolica che vede al suo interno diversi elementi. La separazione in sezione richiama le stagioni e i vari momenti della storia narrata nel film. Si comincia con l’inverno – l’inizio del film – e l’immagine di un cranio collegato alla morte e alla luna. Ai lati invece sono poi raffigurati due corvi con un chiaro richiamo ai messaggeri di Odino, e in basso compare la morte che taglia il filo della vita – o il tubo del gas – della famiglia Ardor. 

«Non fa bene morire lottando contro l’inevitabile, corrompe lo spirito.» – Siv 

Con la primavera si fa riferimento ad un periodo di transizione. Si può notare raffigurato in questa sezione Christian che cerca di consolare Dani, mentre tra gli alberi, si vede Pelle scrivere – o disegnare – il destino a cui sta per andare incontro la protagonista. È proprio lui a guidare i giovani nel villaggio,  esattamente come il diavolo nella leggenda. Ognuno di essi mostra già alcuni elementi che li condurranno alla morte. Infine, si arriva all’estate con la danza per l’incoronazione. Qui appare un sole sorridente: la luce che Dani riesce a ritrovare alla fine del viaggio. 

Dipinto simbolico e profetico
  • "Midsommar" di Ari Aster
  • Florence Pugh e Jack Reynor
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  • la comunità di Hårga
  • "Midsommar" di Ari Aster
  • "Midsommar" di Ari Aster
  • Florence Pugh e Jack Reynor

“Noi siamo infinito” di Chbosky. Formazione contro gli stereotipi

By Lidia Fiore
“Noi siamo infinito” di Stephen Chbosky

“Noi siamo infinito” di Stephen Chbosky non è il solito teen-movie. Il tipico racconto di formazione – caratteristico di tutti i film per adolescenti – si mescola a temi ben più spinosi come la depressione, l’abuso minorile e l’omofobia. Il risultato ottenuto è un film potente nei contenuti, ma delicato nella messa in scena. Le scene si susseguono come in un’elegante danza, i colpi di scena sono ben calibrati e i temi controversi sono trattati con tatto, senza scadere nel plateale melodramma. “Noi siamo infinito” non pretende di avere la crudezza di un documentario, tuttavia rappresenta ugualmente un ritratto credibile dell’adolescenza fra luci e ombre.

«Penso che parte dell’essere giovane comprenda non sapere esattamente quello che stai facendo. È esplorando la tua vita o commettendo degli errori che inizierai a forgiare la tua identità.» – Stephen Chbosky

Il racconto ruota tutto intorno al protagonista e narratore Charlie (Logan Lerman). L’intero film è raccontato dal suo punto di vista, ragion per cui lo spettatore non conosce altro che quello che gli occhi di Charlie vedono. Anche la regia evidenzia l’intimismo della narrazione attraverso frequenti inquadrature ravvicinate che si focalizzano sulle espressioni dei personaggi in modo da sintonizzarsi con i loro sentimenti. I primi piani si alternano a inquadrature in soggettiva, in modo tale da incoraggiare l’identificazione dello spettatore con Charlie.

«Quando ho studiato tutti i film di formazione che hanno significato molto per me, sia che fosse “Il laureato” o “L’attimo fuggente”, ho notato che avevano tutti l’aria di essere senza tempo. È questo che mi ha permesso di identificarmi con loro.» – Stephen Chbosky

“Noi siamo infinito” di Chbosky denuncia il disagio esistenziale del ragazzo da parete

L’idea per “Noi siamo infinito” nasce da un romanzo epistolare intitolato “Ragazzo da parete”, scritto proprio da Chbosky. Il fatto che l’autore del libro sia anche sceneggiatore e regista della trasposizione filmica costituisce una novità, oltre a essere garanzia dell’assoluta fedeltà all’opera originale. Infatti, il principale intento del regista era quello di rappresentare una fase delicata come l’adolescenza vissuta da un soggetto disagiato, come Charlie. Timido, impacciato e insicuro, Charlie corrisponde perfettamente alla definizione del “ragazzo da parete”, ossia il genere di persona che vive un’esistenza defilata.

Tuttavia, l’incapacità di Charlie di integrarsi con i suoi coetanei ha radici ben più profonde di quello che si potrebbe pensare. Infatti, il ragazzo si trova nel pieno di una crisi depressiva dovuta a traumi che lui stesso cerca di reprimere. Per proteggersi dal suo passato crea inconsciamente dei frammenti di sé stesso in cui rinchiudere tutto il suo dolore e fare finta che non sia mai esistito. Il fatto che Charlie possa soffrire di un disturbo dissociativo della personalità si palesa nel momento in cui racconta a Sam la tragica fine del suo migliore amico. La noncuranza con cui confessa il suicidio di Michael suggerisce un’innaturale indifferenza verso un avvenimento così grave. Invece, la morte improvvisa del suo migliore amico ha provocato in Charlie un trauma così profondo da spingerlo a frammentare il suo inconscio.

Charlie Kelmeckis, il tormentato protagonista

È l’istinto di autoconservazione a suggerire a Charlie di soffocare il suo dolore. Purtroppo si rivelerà a lungo andare una strategia inutile, controproducente addirittura. Rifiutandosi di fare i conti con i suoi traumi, Charlie non fa altro che rimandare l’inevitabile crollo che lo travolgerà prepotentemente sul finire del film.

La crisi emotiva di Charlie è resa tramite un montaggio serrato in cui le scene si susseguono con scatti repentini, a testimoniare la distruzione del suo precario equilibrio mentale. Il fatto che sullo schermo compaia la figura di Charlie ripetuta più volte conferma la frammentazione del suo inconscio in più identità separate, create per aiutarlo a sopportare il suo dolore. Attraverso la telefonata a sua sorella Candace (Nina Dobrev), rivela finalmente tutta l’atroce verità sul suo passato. Confessando di aver subito molestie da zia Helen, Charlie accetta la realtà e inizia a rimettere insieme i pezzi della sua anima in frantumi.

«Non possiamo scegliere da dove arriviamo, ma possiamo scegliere dove andare da lì in poi.» – Charlie

Il tema delle molestie in “Noi siamo infinito” di Chbosky è ampiamente trattato nel corso della pellicola. Indubbiamente è il protagonista ad esserne maggiormente colpito. Aver subito abusi da sua zia quando era solo un bambino lo ha segnato indelebilmente, precludendogli la possibilità di sviluppare un’identità sessuale sana. Tuttavia è proprio a causa del suo infantilismo che Charlie giunge ad una consapevolezza tardiva della molestia subita. Essendo solo un bambino, non comprende a pieno ciò che gli sta succedendo. La sua ingenuità lo porta ad idealizzare zia Helen e a conservare un ricordo di lei ben differente dalla realtà. Un’altra illusione che ha protetto momentaneamente Charlie dall’abisso.

Stephen Chbosky crea personaggi anticonformisti. Sam…

            «Benvenuto nell’isola dei giocattoli difettosi.» – Sam

Sebbene il personaggio di Charlie sia indiscutibilmente il centro dell’intera vicenda, intorno a lui ruotano altri personaggi altrettanto complessi e ben caratterizzati. Si tratta di Sam (Emma Watson) e Patrick (Ezra Miller), le prime due amicizie che Charlie riesce a stringere al liceo. Entrambi rappresentano due aspetti differenti dell’adolescenza che all’interno di “Noi siamo infinito” di Chbosky vengono trattati in modo interessante.

Sam è una ragazza sensibile e caparbia che riesce a fare colpo su Charlie grazie al suo temperamento. Tuttavia, Sam porta sulle sue spalle lo stesso peso del protagonista, avendo anche lei subito molestie durante l’infanzia. L’esperienza di Sam simboleggia l’universalità del trauma. La violenza può colpire chiunque, indipendentemente dal genere di appartenenza, e chiunque può essere il carnefice. Non esiste uno schema unico, applicabile in tutte le situazioni, bensì ci sono diverse variabili che portano a risultati diversi. Se Charlie reagisce agli abusi reprimendo i suoi sentimenti, Sam è portata ad avere relazioni tossiche con ragazzi che la mortificano e tradiscono la sua fiducia. Tuttavia, la ragazza riesce a liberarsi del senso di inadeguatezza che la porta a scegliere partner non alla sua altezza. Sam è un importante simbolo di emancipazione; incarna il desiderio di affrancarsi dagli stereotipi e di vivere una vita libera e soddisfacente.

…e Patrick

            «C-! Sono sotto la media!» – Patrick

Patrick, dal canto suo, è la perfetta nemesi di Charlie. È esuberante e profondamente autoironico. Al contrario del ragazzo vive serenamente la sua sessualità, anche se è costretto a nascondere la sua relazione con Brad, proveniente da una famiglia retrograda. Grazie a Patrick si introduce un ulteriore tema, ossia il bigottismo omofobo.

Sebbene Patrick sia perfettamente consapevole della sua identità sessuale, nasconde in sé una sottile omofobia interiorizzata che accresce in lui il senso di colpa. È proprio per questo motivo che Patrick non riesce a difendere Brad dall’aggressione di suo padre. È inconsciamente portato a pensare di non meritare l’amore poiché frustrato da una società bigotta che non lo accetta per quello che è. Eppure, sarà proprio grazie all’intervento di Charlie che Patrick potrà riflettere sul suo comportamento e giungere a una piena consapevolezza di sé. Difendendo Patrick nella rissa che si scatena a scuola, Charlie gli dimostra che i suoi sentimenti sono validi e degni di essere vissuti. Ricevere il supporto attivo del suo amico rafforza Patrick, dandogli il coraggio di vivere la sua vita liberamente.

La magia della musica in “Noi siamo infinito” di Chbosky

«La musica è una parte essenziale della mia vita, lo è sempre stata fin da quando ero bambino. Mi ha aiutato a trovare la mia identità come persona, come artista e mi ha aiutato ad entrare in contatto con emozioni che non sapevo di avere.» – Stephen Chbosky

La musica ricopre un ruolo fondamentale all’interno del film. Ciascuno dei personaggi è legato alla musica in modo diverso. Per Charlie la musica significa superare la barriera del linguaggio e esprimere liberamente i suoi sentimenti. Attraverso le musicassette che incide Charlie dona agli altri un pezzo della sua anima e comunica ciò che non riesce a dire a parole. Invece Patrick usa la musica per liberare la sua vena artistica. Esibendosi nel ruolo di Frank di “Rocky horror picture show”, può mostrare a tutti la parte migliore di sé, stravagante e creativa. Per Sam la musica è speranza. Grazie alla musica Sam può sognare di incontrare la persona perfetta che saprà amarla e sostenerla nei momenti difficili. Il suo sogno romantico è orchestrato dalla struggente “Pearly Dewdrops’ Drops”, tanto indecifrabile nel significato quanto potente nella melodia.

«Poi sentii un vecchio pezzo, “Pearly Dewdrops’ Drops” e pensai: un giorno andrò ad una festa, al college magari, ad un tratto vedrò una persona davanti a me e da quel momento saprò che tutto andrà bene» – Sam

“Heroes” di David Bowie e il desiderio di libertà

Nonostante ognuno dei personaggi interpreti la musica secondo la sua personale chiave di lettura, il regista l’ha utilizzata indubbiamente per esprimere un sentimento che accomuna tutti loro, il desiderio di libertà. Nell’iconico finale Charlie, Sam e Patrick attraversano insieme un tunnel, simbolo delle loro vite che corrono velocemente verso la felicità. Le luci calde e tenui richiamano la tenerezza dell’amicizia che li unisce e le mani di Charlie tese verso il cielo sono il segno della libertà conquistata dopo aver a lungo sofferto. “Heroes” di David Bowie li accompagna mentre sfrecciano verso la “Liberty Avenue” inseguendo la promessa di un futuro felice.

«Ora lo vedo il momento in cui sai di non essere una storia triste. Sei vivo e ti alzi in piedi, vedi le luci sui palazzi e tutto quello che ti fa restare a bocca aperta, senti quella canzone su quella strada con le persone a cui vuoi più bene al mondo e in questo momento, te lo giuro, noi siamo infinito.» – Charlie

  • “Noi siamo infinito” di Stephen Chbosky
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  • Logan Lerman e Ezra Miller
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  • Logan Lerman e Ezra Miller e Emma Watson
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