Vladimiro mira il mare, Paola Tortora e lo smarrimento dell’essere

Con le parole della canzone “Quatt’ore e tiempo” si apre il sipario su “Le cinque rose di Jennifer” di Annibale Ruccello con la regia di Gabriele Russo che va in scena al Teatro Bellini di Napoli. I panni di Jennifer e Anna sono vestiti rispettivamente da Daniele Russo e Sergio del Prete, che hanno dato vita con naturalezza a due personaggi di una verve tale da scuotere il pubblico.

«E n’aeroplano cca 
s’ha da fermà 
chi mo diceva 
ca turnava a te. 

Quanno ‘o destino ce mette ‘a mano 
sto scennenno in terra 
a sta città.» 

I due attori si sono lasciati condurre nell’interpretazione da un testo intriso di una napoletanità tout court senza mai sfociare nel volgare. Una visceralità della parola che trasuda dalle tante creazioni di Annibale Ruccello e che gli ha fatto raggiungere l’olimpo della nuova drammaturgia napoletana del dopo-Eduardo (ndr. De Filippo).

“Le cinque rose di Jennifer” di Annibale Ruccello

Jennifer è un travestito romantico che abita in un quartiere popolare della Napoli degli anni ‘80. Trascorre la maggior parte del suo tempo chiuso in casa per aspettare la telefonata di Franco, l’ingegnere di Genova di cui è innamorato. In realtà riceve costantemente chiamate – anonime e non – da parte di altre persone e mai da parte del suo amato. Ciononostante Jennifer nei confronti di Franco, che rappresenta proprio il Leitmotiv di questo atto unico, non perde mai il romanticismo, dedicandogli di continuo alla radio “Se perdo te” di Patty Pravo «dalla sua Jennifer che lo aspetta fidente». Intanto l’emittente continua ininterrottamente a riportare notizie di cronaca riguardanti un serial killer che uccide i travestiti del quartiere.

Jennifer è un personaggio pervaso da una esuberanza e una vitalità artificiosamente femminili. Si identifica in tutto e per tutto con una donna, dalle movenze alla sinuosità del corpo, al cambio d’abito e al trucco. Una donna che parla di sé mediante i testi delle canzoni alla radio e che lei stessa canta; una donna imponente che si afferma sulla scena sottolineando la tragedia più dolorosa. La variazione di registro e i passaggi repentini dal drammatico, al tragico e al comico rendono la scena ricca di personalità, ma un tipo di personalità che non stanca mai lo spettatore.

La solitudine di una rosa

La profonda solitudine – caratteristica di molti personaggi di Annibale Ruccello – è costante in Jennifer nella continua ricerca di Franco e di una felicità mai sbocciata, a tratti sfociata in delirio. Paura, angoscia, solitudine, delirio: tutte emozioni che si intervallano in questo viaggio interiore di Jennifer, soprattutto dopo l’incontro con Anna.

Anna rappresenta una figura onnipresente sul palco sin dall’inizio dello spettacolo, una figura che è empaticamente in simbiosi col personaggio di Jennifer, rimanda alla sua essenza in un’operazione quasi di smascheramento. Ma Anna si palesa poi sulla scena soltanto in seguito, nelle vesti di una vicina di casa, un travestito che irrompe nella sua vita intrattenendo un rapporto inizialmente di circostanza che le permette di avvicinarglisi, ma che smantella poi dopo le menzogne create da Jennifer la quale identità è inafferrabile.

Il fascino e la sensibilità da un lato, l’essenza dall’altro

Jennifer è Napoli, come la intende Enrico Fiore e come la cita più volte anche il regista Gabriele Russo. È la Napoli che si manifesta con verve, ma anche con tanta irruenza in tutta la sua originaria e originale passione. È contraddizione, che solo un napoletano accoglie e vive a pieno. È ambiguità. È la vulnerabilità di un uomo che si pensa disperatamente donna, si sente donna e poggia la sua intera vita su questa menzogna.

Anna è l’essenza di questo spettacolo. È ciò di cui Jennifer non potrebbe esistere senza, è voce interiore, è dolcezza, fragilità… paziente rimando a se stessi. Anna si palesa in una dimensione altra, nel frastuono interiore di Jennifer, un po’ come un suo alter ego che vive in simbiosi con lei soffrendo al contempo. La sua presenza scenica, il linguaggio del corpo, il copioso silenzio, lo sguardo fisso che di tanto in tanto dedica a Jennifer, invitano costantemente lo spettatore a riflettere e interrogarsi entrando in empatia con i personaggi, uscendone confusi.

Annibale Ruccello e il teatro di parola

Annibale Ruccello è scomparso nel 1986 all’età di 30 anni dopo averci lasciato un compendio di creazioni che si sono ben presto affermate come simbolo profondo della nuova drammaturgia napoletana. Laureato in antropologia culturale, pone effettivamente il suo sguardo antropologico nelle sue opere, delle quali lui stesso è autore, attore e regista.

Alla tenera età di 24 anni scrive “Le cinque rose di Jennifer”, testo teatrale che si è rivelato effettivamente come un’autorappresentazione di Napoli. Le sue opere, come quelle di altri autori contemporanei, si inscrivono in quello che è il teatro di parola. Un teatro in cui l’incisività della parola declinata in tutte le sue emozioni e il timbro dialettale sono «scandaglio dentro l’anima torturata». Questa la definizione dell’italianista e professore Matteo Palumbo, profondo conoscitore ruccelliano al quale dedica spazio nell’incontro tenutosi al Teatro Bellini appena il giorno dopo la prima dello spettacolo.

“Le cinque rose di Jennifer” di Annibale Ruccello è teatro di parola e teatro da camera. Camera intesa non solo come luogo fisico, ma anche come spazio in cui affiorano le paure, le angosce e i desideri, mettendo a nudo l’anima del personaggio. Il teatro diventa lo spazio in cui i personaggi passano dal patetico al grottesco, dal drammatico al tragico ed al comico, ma anche spazio scenico ristretto, in cui gli attori si ritrovano a recitare la follia dei personaggi.

Il “Satyricon” di Francesco Piccolo con la regia di Andrea De Rosa, in scena al Teatro Grande degli Scavi di Pompei per il Pompeii Theatrum Mundi, è un grande omaggio a Petronio. Con lo scrittore romano condivide il linguaggio della satira, che in alcuni punti della messinscena eleva ai più alti livelli. Lo spettacolo usa come pretesto la cena di Trimalcione – schiavo liberto divenuto in breve ricco dopo la morte del suo padrone – per rappresentare tutta una serie di fenotipi, caratteri e luoghi comuni moderni, soprattutto vizi che stanno corrodendo dalle fondamenta la nostra società.

La scenografia del “Satyricon” è essenziale ma eccentrica, lasciando preludere allo spettatore appena arrivato cosa succederà. Il colore che regna ovunque è quello dell’oro, sia sul palco sia sul fondale sfavillante. Al centro, quasi a ridosso delle ultime invisibili quinte, campeggia un baldacchino di filamenti neri all’interno del quale è ben visibile su un podio un water d’oro, che sarà il pulpito dal quale Trimalcione, mastro di festa, elargirà morali ora filosofiche ora grottesche a tutti gli invitati ed in particolare alla moglie.

Il Satyricon di Francesco Piccolo e Andrea De Rosa denuda Fortunata

Trimalcione è interpretato da un irrefrenabile Antonino Iuorio, mentre la moglie – o meglio la vedova del padrone ora divenuta sua moglie – è incarnata da Noemi Apuzzo, che veste e sveste i panni di Fortunata nel Satyricon dimostrando al pubblico che, nonostante la sua ricchezza, poi così fortunata non è. La scelta di far esibire l’attrice completamente nuda per la quasi totalità dello spettacolo non risulta molto eccessiva se si considera l’ambiguità del suo personaggio: da un lato una Venere perfettamente incosciente e materialistica; dall’altro una ragazzina, buona d’animo, sensibile ai cambiamenti, che l’intervento dell’uomo provoca sulla natura, e tragicamente preoccupata delle conseguenze.

Se la Apuzzo/Fortunata in questo Satyricon è in parte scevra di costumi scenici ma costretta in questa doppia personalità, liberi di svariare sul palco sono invece la restante combriccola, gli invitati alla festa. A partire da Encolpio, Ascilto e Gitone interpretati in ordine sparso da Flavio Francucci, Lorenzo Parrotto e Andrea Volpetti che irrompono per primi in scena con grande personalità. La loro forte presenza, la verve comica, il ritmo saranno fondamentali per lo svolgimento di tutto lo spettacolo.

Sicuramente il cast è stato molto aiutato dai dialoghi, freschi, vivi, serrati, vivaci, ritmici, comici, ad effetto, a volte esilaranti, a volte volutamente privi di significato, ma sempre nella direzione di fare satira. Una buona usanza che il teatro contemporaneo necessita portare avanti, specialmente in questo periodo storico pieno di risvolti politici pericolosamente condizionanti per il mondo della cultura in generale.

La satira sull’impoverimento del linguaggio al ritmo di musica

È proprio questo il solco che Francesco Piccolo e Andrea De Rosa delineano e indicano al pubblico: il suggerimento di prestare più attenzione al linguaggio. L’impoverimento del linguaggio, la mancanza di comunicativa, l’abitudine a relazionarsi in maniera pigra, assente e dissociata lascia spazio a un’infinità di luoghi comuni, che proprio sul palco la fanno da padrone. Per assurdo è passando attraverso tutte queste frasi fatte, tutti questi personaggi pervasivi del vivere quotidiano, che lo spettatore riesce a sperimentare una catarsi per distaccarsi dai pregiudizi e ritornare al sentire comune, al senso di collettività reale, che è la base per poter cambiare in positivo il mondo.

«Stai attento ai tuoi pensieri, perché diventeranno le tue parole. Le parole…azioni. Le azioni…abitudini. Le abitudini…carattere. Il tuo carattere…il tuo destino!»

Il successo del “Satyricon” di Francesco Piccolo passa attraverso tanti ingredienti ben congeniali, su tutto il lavoro corale. Si vede tantissimo la professionalità e il cuore che hanno speso gli attori nell’assecondare una regia che non li ha visti mai fermi sul palco, ma sempre a marcare gli accenti, spesso e volentieri scanditi addirittura da un metronomo posto al centro in proscenio. Un modo fantastico con cui il gruppo si mostra al pubblico e che, con abile maestria di caratterizzazione dei personaggi, ha eluso il rischio di risultare un puro esercizio di stile, un mettersi in bella mostra. Caratteristi eccezionali lo sono stati un po’ tutti e questo ha fatto un gran divertire e riflettere.

Un cast di prim’ordine. Ritmi serrati per un successo garantito

I complimenti vanno ad Alessandra Borgia, Francesca Cutolo, Michelangelo Dalisi, Serena Mazzei e Anna Redi. I loro personaggi si prendevano beffe di tipologie umane accuratamente identificate, selezionate e date in pasto al grande pubblico, dal produttore al consumatore insomma, ma prima sofisticate ad arte. In scena c’era il grande intellettuale impegnato che firmava tutti i tipi di petizioni possibili e immaginabili. Ne firmava così tante da appoggiare ora un’iniziativa, ora il suo esatto opposto. Poi c’era l’attrice impegnata, la paladina, che voleva salvare la vita del teatro e mentre parlava perdeva pezzi di cultura, libri che cadevano dappertutto.

La donna delle canzoni che parlava solo citando testi famosi, memorabile il riferimento a “Nessun dolore” di Battisti – «non sento niente, nessun dolore» – puntando i riflettori sull’apatia del nostro inizio millennio. La signora disperata che cambiava spasmodicamente compagni per poi affogare il dispiacere nella cocaina. E la ragazza anoressica, interpretata da una Serena Mazzei che sembrava uscita da un musical americano per quanto era in forma: pronta, attenta, vivace ed espressiva. La resa scenica di tutti è stata molto efficace sia nei ruoli singoli e sia nelle corali.

Antonino Iuorio nelle vesti di Trimalcione

Antonino Iuorio in particolare è riuscito a portare avanti il gravoso ruolo di un Trimalcione proiettato nella contemporaneità, a lui la bravura di aver saputo cogliere l’essenza della tradizione romana e romanesca, farla propria e renderla ai giorni nostri, senza eccessi di rivisitazione, senza mai tradirla. A lui il compito di ricordarci che a certi livelli i soldi non sono più un mezzo di scambio per ottenere merci o servizi, ma servono solo per averceli, avere altri soldi, fare altri soldi. «Mentre gli altri vanno a mare, tu fai i soldi», recita Antonino Iuorio mentre spera in cuor suo che il messaggio passi, e intanto passano in rassegna le varie decadenze della società. Sta alle parole delle canzoni, per bocca di Francesca Cutolo, traghettarci verso il finale dello spettacolo. Lei farà da Caronte verso la dissoluzione post festa.

«Perché in fondo tutto quello che fanno nella vita lo devono dimostrare a una festa.»

Sul finire dello spettacolo – riguardoso a livello letterario del “Satyricon” di Petronio – porge a chi abita meno la letteratura romana, uno scenario un po’ più cinematografico. Il rimando di Francesco Piccolo è a “La grande bellezza” di Paolo Sorrentino che aveva affrontato il tema della dissoluzione attraverso l’immagine della cena/festa, come nella scena della cena di Trimalcione in Petronio. Senza ardire alcun paragone cinematografico, l’immagine serve solo a far comprendere a chi non lo ha visto a teatro, la portata di questo spettacolo.

Un bagno di applausi per il Satyricon di Francesco Piccolo

Le scene e i costumi, affidati a Simone Mannino, sono stati tutti molto appropriati. Il disegno luci era di Pasquale Mari, abile a superare la difficoltà di rifrazione di luce che crea una scenografia totalmente dorata, lo ha fatto con l’utilizzo di semplici proiettori nudi ben posizionati e con l’introduzione di proiettori color ghiaccio per valorizzare diversi momenti interpretativi sul palco e la purezza di Fortunata in questo Satyricon. Il disegno del suono era di G.U.P. Alcaro, molto interessante la scelta di ovattare in alcuni punti il canoro della Cutolo. Le coreografie lineari e molto fruibili erano della stessa Anna Redi.

Il “Satyricon” di Francesco Piccolo non è stato un semplice spettacolo teatrale, ma un gesto d’amore nei confronti del pubblico e più ampiamente di una società che ha bisogno di rispecchiarsi, di riflettersi per riflettere e tornare ad abitare dei valori più umani, in una parola per ritrovarsi. Tantissimi partecipanti si son ritrovati ad applaudire a scena aperta sul finale, tantissimi ad assistere fino alla fine. Un bel segnale, un teatro gremito ad indicare l’ottimo lavoro svolto che, al giorno d’oggi, non per forza avrebbe dovuto incuriosire così tanto.

Quello che colpisce è la comunicativa, il linguaggio teatrale utilizzato: moderno nella messinscena, contemporaneo nelle parole, trasversale a tutti i target di partecipanti. Un linguaggio universale, che a tratti eleva lo spettatore e a tratti lo scaraventa nella volgarità più assoluta, ma sempre mirando a farlo riflettere. Anche quando ammicca al sorriso, lo fa con arte, tingendosi di comicità brillante e di un grottesco quasi mai fine a se stesso. Penetra nelle ossa, va a riprogrammare il DNA dello spettatore con informazioni che normalmente si tende a dimenticare, ma che saranno utili per la sopravvivenza del genere umano su questo pianeta.

Un teatro per tornare a sentirci umani

Detta così può sembrare una boriosa rappresentazione teatrale, invece è quel misto di alto e basso che serve per fornire gli spunti a chi esce dal teatro per riguardare il mondo quotidiano con occhi diversi. Il gioco con i luoghi comuni, i caratteri e le tipologie umane messi in scena estremizzati con misura, caricaturati il giusto e il linguaggio della satira sviluppato in alcuni momenti alla sua pura eccellenza  – come la critica alla decadenza di Roma, piena di cose «rotte perché chi deve aggiustare non vuole essere rotto» – uniti alla stupenda cornice, hanno fatto viaggiare tutti lontano di 2000 anni, per poi tornare a capire che non è cambiato moltissimo ai giorni nostri.

E allora bagni di umiltà e misura nei giudizi, evitare i pregiudizi o i luoghi comuni per capire quanto le parole siano importanti e a volte i silenzi necessari.  Un sentire comune esiste sempre e non bisogna rinnegarlo. A tutti scorre sangue nelle vene, non importa se a qualcuno questo rosso si sia contaminato con l’oro. “Gli altri” non sono loro, “gli altri” siamo tutti da sempre, da 2000 anni, ma ancor prima dalla notte dei tempi. E quale migliore cornice di un tempio teatrale sopravvissuto ad un’eruzione vulcanica per ricordarcelo. Il “Satyricon” di Francesco Piccolo riaccende il faro sulle potenzialità della nostra virtù più bistrattata: l’umanità. L’augurio è che questo lavoro possa avere ulteriore e ampia diffusione, in modo da portare il suo messaggio a un maggior numero possibile di spettatori.